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William Christie, la ‘crême’ del barroco francés

El fundador de Les Arts Florissants estrena la ópera de Rameau.

Hay joyas del barroco francés que todavía no se han escuchado entre las paredes del Gran Teatre del Liceu. Y una de ellas es Platée, de Jean-Philippe Rameau, la ópera mitológica que narra la burla y humillación a que se expone una ninfa acuática enamorada del dios Júpiter. El gran compositor de la Ilustración la estrenó en 1745, en ocasión de las bodas de Luis XIV con la Infanta Maria Teresa de España. Ahora un gran experto en este periodo musical como es el maestro William Christie (Buffalo, 1944), clavecinista en origen, pondrá remedio a esta ausencia en el Liceu este miércoles, 3 de febrero (19 h). Será en versión concierto junto a su ensemble vocal e instrumental Les Arts Florissants.

William Christie conversa con este diario acerca de las razones por las que en España apenas se programa a un compositor como Rameau, tan crucial en el siglo XVIII como lo fueron Bach o Händel. Y también sobre Platée, que en el Liceu contará con un excelente elenco de voces solistas, comenzando por el tenor holandés Marcel Beekman, que da vida a la poco agraciada ninfa, o las sopranos Emmanuelle de Negri y Jeanine de Bique (como Amour y Folie respectivamente), más la mezzo Emilie Renard (en el papel de Junon, la celosa mujer de Júpiter), y el bajo Edwin Crossley-Mercer, como Júpiter, el que por hacerle una broma a su esposa le hace creer a la horrenda Platée que se casará con ella.

Históricamente se ha querido ver en Platée una ironía política en forma de ópera, pues el delfín de Francia se desposaba con una infanta poco atractiva que para el refinamiento de Versalles tenía maneras burdas.

Rameau ya llevaba años queriendo hacer Platée cuando esto sucede, así que la infanta María Teresa no era el tema de su ópera. Eso de que se burlaban de ella en el propio festejo de su boda es una invención romántica. Lo que sucedió es que debía hacerse otra ópera pero Rameau fue llamado por el rey de Francia y él propuso hacer Platée.

Al personaje de la ninfa se le caracteriza con pupas y berrugas, y con una voz oscura, alejada de la voz preciosa de una soprano. ¿Una crueldad?

“Es cierto que esta ópera es cruel y contiene comentarios terribles sobre una mujer fea que esencialmente es humillada. y el final es trágico, ella se da cuenta de que ha sido traicionada. De hecho toda la ópera es una broma y burla constante hacia su persona, la única que se mantiene todo el tiempo en escena.

Pero en ocasiones se hace difícil entender y compartir el humor de siglos atrás. La crueldad hacia los animales en el XVIII hoy no nos haría gracia, ni vamos a ver cómo se devoran dos perros o se ejecuta a criminales. Platée , la historia de la princesa rana, se debía considerar entonces una tragedia divertida más que una comedia.

Es curioso que una joya del barroco como esta no se hubiera escuchado en el Liceu 320 años después. ¿Por qué cree que la fiebre por Bach o Händel en España no ha alcanzado a Rameau o Couperin?

Porque Bach llevaba más tiempo siendo conocido y porque Händel había escrito muchas óperas, y las óperas pueden interpretarlas cantante modernos y orquestas modernas, aunque no es lo que más me gusta, se puede hacer. Una Alcina, un Giulio Cesare o un Ariodante funcionan. A quienes les gusta Händel les gusta el bel canto, de manera que alguien que canta bien lo puede hacer. Y lo mismo sucede con la orquesta. Pero con la ópera francesa es distinto. Es una lengua diferente al italiano de las óperas de Händel y es una música que requiere más especialización para hacerla sonar elocuente.

El barroco francés
«Si no hay la misma fiebre por Rameau que por Bach o Händel es porque para sonar elocuente requiere más especialización»

Rameau es de los más grandes del siglo XVIII junto con Bach y Händel, uno de los más importantes y que requiere mayor atención. Es de justicia decir que ahora las casas de ópera de Alemania y Austria, Estados Unidos o Gran Bretaña están haciendo Rameau y otros de sus contemporáneos. El público se está desarrollando.

Junto con John Eliot Gardiner y Jordi Savall forma usted parte  de una generación dorada de batutas que redescubrían repertorios e iban en busca del sonido original. ¿Ve un posible equivalente de aquella experiencia pionera o va a ser difícil que se repita en el futuro?

Creo que hay muchos jóvenes directores especializados en música antigua, muchos son muy talentosos, y también hay magníficos instrumentistas, violinistas, flautistas, oboístas, cellos… Creo que ahora hemos ido lejos con la esencia, hemos demostrado que especializarse en este tipo de repertorio y tocar con instrumentos antiguos permite entender la música y dejarla sonar. Se ha convertido en algo muy importante en todo el mundo. hoy en día. Música antigua la hay en todas partes, en Salzburg, en Glyndebourne, en el Licoln Center… está tanto en Viena o Berlín que son grandes capitales de la música como en Londres o Nueva York. Tal vez sí fuimos pioneros con Jordi Savall y Gardiner, pero hay mucha gente en la generación joven que hace un trabajo extraordinario.

¿Hasta qué punto ha sido un éxito la música con criterios historicistas? ¿Ha cambiado la forma de tocar incluso en las grandes orquestas modernas?

Sin duda. Las grandes orquestas ya no tocan Bach como lo hacía Karajan, los pianistas no tocan Mozart como treinta años atrás.. La forma en que se interpreta la música demuestra que ha sido una gran influencia en términos de estilo y en la manera de leer la partitura.

¿También en los nuevos creadores de la composición contemporánea?

Muchos de los que conozco y me gustan compruebo que están efectivamente influenciados en términos de música antigua. El repertorio se ha extendido, es mucho más grande, la gente quiere escuchar Bach tocado por una orquesta de instrumentos originales del mismo modo que quiere oír Richard Strauss por la Filarmónica de Viena.

Usted era un chaval de Buffalo educado en Harvard y Yale que vino a Europa, se instaló en Francia, se dedicó a recuperar la música antigua del país y acabó siendo Chevalier des Arts, entre otros títulos. ¿A sus 76 años comprende algo más de su propio proceso?

Fui criado en una familia rica en ideas culturales. Mi padre fue una figura importante en la vida de mis hermanos y yo. Y éramos muy conscientes de lo que Europa había significado en términos de cultura, ya fuera para Estados Unidos, como Sudamérica, Australia, África… Las grandes materias de la cultura mundial proceden de allí.

De chaval en Buffalo a Chevalier des Arts
«Era un universitario muy infeliz en tiempos de la guerra del Vietnam. Decidí irme a un país que adorase su cultura»

Dejé los Estados Unidos para siempre en finales de los años sesenta. Era muy infeliz como universitario, era un momento social terrible por la situación de la guerra del Vietnam. Decidí irme, asentarme en un país europeo, un país que adorase su cultura. Ahora soy feliz regresando a los estados Unidos. A finales de los 60 era horrible, y ahora hay otro tipo de situación terrible, pero me encanta Estados Unidos. Y a la vez soy muy feliz. Tengo pasaporte francés y me he convertido esencialmente a la cultura francesa.

¿Cómo ha vivido la era Trump?

Donald Trump y cultura son antitéticos. Trump no tiene cultura, se crió sin. En los cuatro años de su mandato no hubo ningún evento cultural en la Casa Blanca. Y ha conseguido aún 72 millones de votos… Hablar de la cultura como bien esencial será difícil.

¿Y el Brexit? ¿Le afectará?

Tendré menos conciertos en Gran Bretaña pero no me cambia nada. Ahora bien, para los músicos del Gran Bretalla será terrible. El Brexit será una de las cosas más fastidiosas para la cultura en tiempo. Es una situación muy triste con consecuencias graves. Ya hemos visto a organizaciones importantes dejar el país, o a orquestas europeas que dejan Londres y se relocalizan en Europa.

¿Qué planes tiene en esta pandemia?

Hemos creado la Fundación William Christie y Arts Florissants para formar a gente joven y transmitir el conocimiento. Es importante. De aquí a un par de semanas tengo una master class en el campo con cantantes, es del tipo de cosas que hacemos ahora: enseñar y transmitir. Obviamente cuento con Paul Agnew, el director asociado de Les Arts Florissants, que siempre ha sido clave.

¿Dónde prevé buscar financiación ahora que la crisis sanitaria del coronavirus está provocando una crisis económica importante?

Bueno, los años dorados en que los gobiernos gastaban dinero en la cultura han quedado atrás. El francés en los años 60 y 70 promovía cultura de todo tipo, pero el mundo económico es hoy muy distinto. Hay países que han tenido programas culturales que ahora desaparecerán por falta de dinero. Y en Europa Francia todavía es de los que se considera un país cultural, como España, la cultura es parte importante de su identidad. Pero desde hace un par de décadas la gente de la cultura ya hemos visto que había que ir a buscar patrocinadores y mecenas. La vida musical ya no es fácil.

Publicado originalmente por el diario La Vanguardia, M. CHAVARRÍA, BARCELONA, 02/02/2021.

EL REGALO DE NAVIDAD, cuento de O. Henry

Un dólar y ochenta y siete centavos. Era todo. Y setenta de los centavos reunidos en peniques. Peniques ahorrados discutiendo con el almacenero, el verdulero y el carnicero, hasta que ella, la silenciosa implicación de avaricia que aquel ávido regateo implicaba, le hacía arder las mejillas. Delia contó tres veces el dinero. Un dólar con ochenta y siete centavos. Y al otro día era Navidad.

Evidentemente, sólo podía echarse sobre el mísero lecho y llorar. Y eso fue lo que hizo Delia. Lo cual provoca la reflexión moral de que la vida está compuesta de sollozos, resoplidos y sonrisas, predominando los resoplidos.

Mientras la señora de la casa pasa gradualmente de la primera etapa a la segunda, echemos un vistazo a su hogar. Era un departamento amueblado de los que cuestan ocho dólares a la semana. No se puede decir precisamente que fuese algo indescriptible, pero merecía ser clasificado por la policía como refugio de pordioseros.

En el rellano del primer piso había un buzón en el cual no podía echarse ninguna carta, y un timbre eléctrico al cual ningún dedo mortal sería capaz de arrancar un sonido. También pertenecía al departamento una placa que ostentaba el nombre de “Sr. James Dillingham Young”. Aquella placa había nacido a las caricias de la brisa de un periodo anterior de prosperidad, cuando a su dueño le pagaban treinta dólares a la semana. Ahora que sus ingresos se habían reducido a veinte, las letras del apellido “Dillingham” estaban borrosas, como si pensaran seriamente en ajustarse a una modesta y humilde “D”. Pero siempre que el señor James Dillingham Young regresaba a su hogar y entraba en su departamento del primer piso, lo llamaban “Jim” y era calurosamente abrazado por la señora Dillingham Young, quien ya ha sido presentada al lector con el nombre de Delia.

Y todo esto está muy bien. Delia dejó de llorar y se retocó las mejillas con una borla de cisne. Se detuvo frente a la ventana y miró con tristeza a un gato gris que caminaba sobre una tapia gris en un patio gris. Al otro día era Navidad y ella solo disponía de un dólar con ochenta y siete centavos para comprar un regalo a Jim.

Había ahorrado los peniques posibles durante meses y ese era el resultado. Con veinte dólares a la semana no se llega muy lejos. Los gastos fueron superiores a lo calculado, como siempre.

Sólo un dólar con ochenta y siete centavos para comprar un regalo a Jim: su Jim. Había pasado muchas horas felices imaginando algo bonito para él. Algo bello y raro. Algo auténtico… Algo digno, una pizca digno del honor de ser poseído por Jim.

Entre las ventanas del cuarto había un espejo de pared, alto. Quizás ustedes sepan cómo es un espejo de pared en un departamento de ocho dólares. Alguien muy delgado y ágil podría obtener, mirando su imagen en una rápida sucesión de tiras longitudinales, una idea bastante exacta de su aspecto. Como Delia era esbelta, logró dominar aquel arte. De pronto se alejó de la ventana y se paró frente al espejo. Sus ojos brillaban, pero a los veinte segundos su tez perdió el color. Con gesto rápido se soltó la cabellera y la dejó caer cuan larga era.

Ahora bien, James Dillingham Young y su mujer estaban orgullosos de dos cosas: del reloj de oro de Jim que había sido antes de su padre y de su abuelo, y del cabello de Delia. Si la reina de Saba hubiese habitado en el apartamento situado al otro extremo del rellano, Delia habría colgado algún día su cabellera fuera de la ventana para que se secase y para demostrar así que desdeñaba las joyas y los lujos de Su Majestad. Si el rey Salomón hubiera sido el portero y cuantos tesoros poseía hubieran estado amontonados en el sótano, Jim habría sacado siempre el reloj al pasar frente a él, sólo para ver cómo se mesaba la barba de envidia.

Así que, ahora, la cabellera de Delia cayó ondulante sobre sus hombros, brillando como una cascada de pardas aguas. Era casi como un vestido, al llegarle más abajo de las rodillas. Y, entonces, Delia lo recogió de nuevo nerviosa y ágilmente. Por un momento se sintió desfallecer y se quedó inmóvil mientras un par de lágrimas mojaban la raída alfombra roja. Luego, se puso la vieja chaqueta marrón y el viejo sombrero marrón. Todavía con aquel brillante fulgor en los ojos y un revuelo de faldas, salió nerviosamente del departamento y descendió por las escaleras a la calle.

Poco después se detuvo frente a un letrero que decía: “Madame Sofronie. Cabellos de todas clases”. Delia subió corriendo un tramo de la escalera y se paro, jadeante. Madame Sofronie no parecía la misma del letrero. Era más blanca, más fría. –¿Me compra mi cabello? –preguntó. -Compro cabello –dijo madame–. Veámoslo. Quítese el sombrero. Delia dejó caer la cascada de sus cabellos castaños. –veinte dólares –dijo Madame, sopesando la masa con mano experta. –Démelos pronto –dijo Delia.

¡Ah! Y qué velozmente transcurrieron las dos horas siguientes, como sobre rosadas alas. Perdonen la fácil metáfora. Delia se dedicó a fisgonear los bazares, buscando el regalo para Jim. Por fin lo encontró. Sin duda, aquello lo habían fabricado para Jim y para nadie más. En ningún otro bazar había nada comparable. Y ella los había registrado todos. Era una cadena de reloj, de platino, muy sencilla, de diseño humilde, que proclamaba su valor con su mero metal, sin necesidad de ninguna ornamentación, como sucede con todas las cosas de valor real. Era una cadena digna del reloj. Apenas la distinguió, Delia supo que debía ser para Jim. Se parecía a él: poseía valor y serenidad, ambos términos aplicables a los dos. Valía veintiún dólares y volvió a casa, precipitadamente, con los ochenta y siete centavos. Con aquella cadena en su reloj, Jim podía demostrar una justificada ansiedad por saber la hora en compañía de cualquiera. Porque, aunque el reloj era estupendo, Jim siempre lo miraba a hurtadillas a causa de la desgastada correa de cuero que usaba como cadena.

Cuando Delia volvió a su hogar, su embriaguez cedió el paso, en parte, a la prudencia y la razón. Encendió el gas y tomando las tenacillas del cabello se dispuso a reparar, en parte, los estragos causados por la generosidad añadida al amor. Lo cual siempre es una tarea terrible, queridos amigos… Una tarea mastodóntica. En menos de cuarenta minutos, su cabeza se cubrió de apretados y diminutos rizos que la hacían parecerse a un estudiante que ha faltado a clases. Se miró en el espejo larga, atenta y críticamente. “Si Jim, antes de mirarme por segunda vez, no me mata, pensará que parezco una corista de Coney Island”, pensó. “Pero, ¿podía hacer otra cosa? ¡Oh! ¿Qué se puede hacer con un dólar ochenta y siete centavos?”

A las siete de la tarde, el café ya estaba hecho y la sartén lista y caliente para recibir la carne. Jim nunca se retrasaba. Delia apretó la cadena del reloj que sostenía en su mano y se sentó junto a una esquina de la mesa, próxima a la puerta por la que entraba siempre Jim. Después oyó sus pasos en la escalera en el primer rellano y se puso pálida por un primer momento. Tenía el hábito de decir mudas plegarias por las cosas sencillas y cotidianas y murmuró. –Dios mío, te lo ruego. Haz que crea que todavía soy bella.

La puerta se abrió y Jim entró cerrándola tras él. Estaba delgado y serio. Pobre muchacho–…¡Tenía sólo veintidós años y ya sobrellevaba una carga familiar! Carecía de guantes y necesitaba un abrigo nuevo. Jim franqueó el umbral, impertérrito, como un perdiguero que está sobre la pista de una codorniz. Clavó su mirada en Delia con una expresión que su esposa no pudo descifrar y aquello la aterrorizó. No era ni enfado, ni ira, ni desaprobación, ni horror, ni ninguno de los sentimientos que creyó leería en su rostro. Sólo sentía que su esposo la miraba fijamente con aire extraño.

Delia se levantó nerviosamente y se acercó a él. –Jim, querido mío –gritó–. Me he cortado el pelo. No me mires así. Lo vendí porque quería hacerte un regalo de Navidad. No te importa, ¿verdad? ¡Volverá a crecer! ¡Tuve que hacerlo! El cabello me crece con mucha facilidad. ¡Dime, “Feliz Navidad”, Jim, y seamos felices! No puedes imaginarte qué bonito…¡qué precioso regalo te he comprado! –¿Te has cortado el cabello? –murmuró Jim con pena, como si después de una intensa tarea mental sólo fuese capaz de advertir aquel hecho tan evidente. –Me lo he hecho cortar y lo vendí –añadió Delia–. De todos modos, no te gusto lo mismo, aunque sin mi cabello, sigo siendo la misma ¿verdad? Jim paseó la mirada por el cuarto con curiosidad. –¿Dices que te has quedado sin tu cabello? –preguntó con aire casi tonto.

–Lo he vendido, te digo –repuso ella–. No lo busques…Vendido para siempre. Es Nochebuena, chico. Lo he vendido por ti, sé bueno conmigo. Tal vez mis cabellos fuesen importantes, pero más importante aún es el amor que te tengo –prosiguió la muchacha con repentina y grave dulzura–. ¿Pongo la carne al fuego, Jim?

Pasada su impresión del primer momento, Jim pareció despertar rápidamente y abrazó a Delia. Durante diez segundos miremos en dirección opuesta a algún objeto sin importancia. Ocho dólares semanales o un millón anual…, ¿qué importa? Un matemático o un hombre de ingenio nos daría una respuesta errónea. Los Reyes Magos trajeron regalos muy caros, pero aquel no estaba entre ellos. Luego explicaremos mejor este oscuro aserto.

Jim extrajo un paquete del bolsillo de su abrigo y lo arrojó sobre la mesa. –No te formes una idea equivocada de mí, Delia, –dijo–. Ningún corte de cabello será capaz de hacerme querer menos a mi mujercita. Pero cuando abras ese paquetito, comprenderás por qué me desconcertaste tanto en el primer momento.

Los pálidos y ágiles dedos de Delia retiraron la cuerda y el papel. Y entonces, dio un grito de alegría; y luego… ¡ay!, pasó en rápida transición femenina a las lágrimas y los gemidos, lo cual motivó al señor del apartamento el inmediato uso de todas sus facultades consoladoras. Porque frente a Delia estaban las peinetas: el juego de las peinetas que admiró durante mucho tiempo, en un escaparate de Broadway. Un par de bellas peinetas de auténtico carey, de bordes adornados con piedras preciosas y un tono de color adecuado para armonizar perfectamente con su hermoso y desaparecido cabello. Su corazón había ansiado aquel par de peinetas de lujo sin tener la menor esperanza de poseerlas algún día. Y ahora las tenía; pero las trenzas que debían adornar las codiciadas peinetas habían desaparecido. No obstante, Delia las oprimió contra su pecho y por fin, tras mirarlas, pudo decir con una sonrisa y ojos empañados por las lágrimas: –Jim, mi cabello crece muy de prisa. Y tras saltar como un gatito chamuscado exclamó: –¡Oh, oh! Jim no había visto aún su bello regalo. Ella lo depositó con vehemencia sobre la abierta palma de la mano. El valioso y opaco metal fulguró como un reflejo del alegre y apasionado espíritu de Delia.

–¿Verdad que es maravillosa, Jim? Recorrí toda la ciudad para encontrarla. Ahora podrás mirar la hora cien veces por día. Quiero ver cómo sienta la cadena al reloj. ¡Dámelo!

En lugar de obedecer, Jim se dejó caer sobre el sofá y se pasó las manos por la nuca. Sonrió.

–Dejemos por el momento nuestros regalos de Navidad, Delia –dijo–. Son demasiado hermosos para usarlos ahora. Guardémoslos. Necesitaba dinero para comprarte las peinetas, por eso… ¡vendí el reloj! Y ahora…, ¿no crees que podríamos poner la carne al fuego?

Los Reyes Magos, como ustedes sin duda saben, eran unos señores muy sabios –maravillosamente sabios– que ofrecieron regalos al Niño en el pesebre. Inventaron el arte de ofrecer regalos de Navidad. Como eran sabios, sus presentes fueron, sin duda, los más sabios y tal vez tuvieran el privilegio de poder ser cambiados en caso de resultar repetidos. Y aquí, torpemente, les he contado a ustedes la tranquila historia de un par de chicos atolondrados que vivían en un apartamento y que sacrificaron imprudentemente, el uno por el otro, los tesoros más grandes que poseían. Pero para terminar, digamos a los sabios de hoy en día que, de todos los que hacen obsequios, esos dos fueron los más sabios. De todos los que dan y reciben regalos, los más sabios son los seres como Jim y Delia. Ellos son los Reyes Magos.

William Sydney Porter, conocido como O. Henry

William Sydney Porter, conocido como O. Henry, fue un escritor estadounidense.
Es considerado uno de los maestros del cuento. Su admirable tratamiento de los finales narrativos sorpresivos popularizó en lengua inglesa la expresión «un final a lo O. Henry» (an O. Henry ending).
En la mayoría de los mejores relatos de O. Henry, escritos en los primeros años del siglo XX, se valora principalmente el final imprevisto y los giros repentinos de la trama al final de la historia. Muchos cuentos tienen lugar en la ciudad de Nueva York y retratan generalmente personajes normales y corrientes como dependientes, policías, camareras. Su obra más conocida, «Los cuatro millones», hace referencia al número de habitantes de la ciudad de Nueva York a comienzos del siglo XX, y al hecho de que cada uno de estos habitantes constituía para O. Henry «una historia digna de ser contada».

BASES DEL X CONCURSO PROVINCIAL DE ARTES VISUALES SAN BERNARDO 2020

Ponemos a disposición de los artistas de la Provincia del Maipo las bases del único y más importante concurso de artes de la zona.

Como recordarán en ediciones pasadas varios ganadores han sido paininos.
Adherimos entonces a la invitación y les deseamos mucha suerte.

La Ilustre Municipalidad de San Bernardo, a través de su Departamento de Cultura, convoca al X CONCURSO PROVINCIAL DE ARTES  VISUALES que involucra a las comunas de: San Bernardo, Calera de Tango, Buin y Paine.

INTRODUCCIÓN

La Ilustre Municipalidad de San Bernardo, a través del Departamento de Cultura  y  Turismo, con el objeto de reconocer la trayectoria de artistas y creadores que cultivan  y participan su arte a la comunidad, ha creado el Premio Provincial de Artes Visuales.  En ésta,  la X versión, año 2020, las disciplinas son las siguientes: Pintura, Escultura y Fotografía.

ARTICULO   PRIMERO

SOBRE LAS OBRAS
Las obras para el X Concurso Provincial de Artes Visuales deberán ser originales y no haber  sido  expuestas  ni haber concursado en otros certámenes similares. Esta condición debe ser respaldada  con una declaración jurada simple, presentada por el participante

DISCIPLINAS
Pintura
Escultura
Fotografía

ARTICULO SEGUNDO

FORMATO Y PRESENTACIÓN DE LAS  OBRAS
PINTURA

Formato: Desde 40 x 45 cm  hasta  1 m x 1 m, en cualquier soporte y preparados  para  ser  expuestos.

Técnicas: Óleo, mixta, acuarela, pastel, aguadas de tinta, dibujos. Estas últimas cuatro, debidamente enmarcadas con vidrio.

ESCULTURA                       

Dimensiones: Desde 30×30 x30 cm  hasta 1m x  1m x 1m aproximado.

Material: Madera, metal, piedra, acero o mixto, con sus  debidos  soportes o plintos.

FOTOGRAFÍA

Dimensiones: Formato mínimo 30 x 45cm en papel brillante o mate enmarcadas (para ser expuestas)

Técnica: Digital-Análoga,  más respaldo digital en JPG.

 ARTICULO  TERCERO

TEMA DE LA OBRA
El tema para todas las disciplinas es libre.

 ARTICULO CUARTO

DE LOS PARTICIPANTES
Podrán  postular al PREMIO PROVINCIAL DE ARTES VISUALES de la Ilustre Municipalidad de San Bernardo, aquellas personas que vivan,  trabajen o estudien en la Provincia del Maipo. El participante deberá acreditar su condición de tal con un debido certificado original de residencia,  trabajo o estudios de su respectivo lugar de trabajo o establecimiento educacional.

Los Funcionarios Municipales que trabajen en el Departamento Cultura y Turismo de la Ilustre Municipalidad de San Bernardo, o que estén vinculados laboralmente con dicho Departamento,  no podrán participar del certamen. Esto incluye, plantas contrata y  honorarios.

Los Funcionarios de otras Municipalidades podrán participar sin restricción de ninguna especie. El autor podrá postular solo una obra, en una sola disciplina, que podrá ser  presentada  por  el  autor  o un representante.

CALENDARIO DEL CONCURSO

ENTREGA DE BASES: Desde el 26 de octubre hasta  el  4 de noviembre de 2020
RECEPCIÓN DE OBRAS: Desde el 5 al 23 de noviembre 2020
DETERMINACIÓN DE GALARDONADOS: 25 de noviembre  de 2020
PREMIACIÓN: 3 de diciembre 2020

SOBRE LA RECEPCIÓN DE LAS OBRAS
Las  obras  serán recibidas en el Departamento de Cultura y Turismo de la Ilustre Municipalidad de San Bernardo, ubicado en Avenida América, N° 504, San Bernardo. Horario: Lunes a viernes de 09:00 a 14:00 y  15:00 a 17:00 horas y sábados 09:00 a 14:00. Las obras  participantes deberán ser acompañadas de un  sobre donde deberá indicarse: En la parte exterior del sobre,  el nombre de la obra y en la parte interior, debidamente cerrado, el nombre completo del autor  de la obra, domicilio, correo electrónico, teléfono, breve reseña del artista (máximo 10 líneas), certificado que acredite que  el autor vive, trabaja o estudia en la Provincia del Maipo. Dicha acreditación podrá realizarse mediante un certificado de residencia original, certificado de trabajo o certificado de estudios. La no presentación de dicho certificado declarará inadmisible a la obra.

Nota: La  obra concursante debe llevar el nombre de la obra al reverso

Las obras Galardonadas pasarán a formar parte del patrimonio de la Casa de la Cultura de San Bernardo.
Las obras que no sean  premiadas deberán ser retiradas en el lugar de recepción (Casa de la Cultura) dentro del plazo de 30 días, después de dirimir el resultado. Pasado ese plazo, el Departamento de Cultura y Turismo de la Ilustre Municipalidad de San Bernardo, no se hará responsable de las obras.

 ARTICULO QUINTO

 DEL JURADO
El jurado estará compuesto por:
– El  Alcalde de la Comuna, que lo presidirá. El Alcalde podrá designar un representante en su lugar.
-Dos artistas pertenecientes a la Apech (Asociación de Pintores y Escultores de Chile) que dicha asociación designará.
-Un Concejal, miembro de la Comisión de Cultura, propuesto por el Honorable Concejo Municipal.
-Un esteta o profesor universitario, nombrado por invitación de la Encargada del Departamento de Cultura y Turismo de la I. Municipalidad de San Bernardo.

 ARTICULO  SEXTO

 ELECCIÓN DE GANADORES

El jurado cumplirá su cometido día 23 de noviembre del 2020 para lo siguiente:

  1. a) Celebrar su sesión constitutiva y revisión de obras.
  2. b) Para discernir los Galardonados con el Premio Provincial de Artes Visuales 2020.

ARTICULO SÉPTIMO

 SOBRE LA PREMIACIÓN

 LA PREMIACIÓN SERÁ EL DÍA:   3 DE DICIEMBRE
El Premio  Provincial de Artes Visuales otorgará premios en cada una de las disciplinas establecidas y los ganadores serán acreedores a los siguientes estímulos.

a) Primer lugar, 20 UTM, vigente al mes de diciembre del 2020 más diploma.
b) Segundo lugar, 10 UTM, vigente al mes de diciembre del 2020 más diploma.
c) Tercer lugar, 5 UTM, vigente al mes de diciembre del 2020 más diploma.

El Jurado podrá declarar premios desiertos si el nivel de las obras no es acorde a la búsqueda de excelencia del  concurso. También podrá declarar lugares desiertos si se presentaran menos de 3 obras.

Los resultados del concurso se darán a conocer la segunda quincena de noviembre en los medios de comunicación y difusión propios del municipio u otras entidades de la comuna.

Por el solo hecho de participar en el certamen, los concursantes dan por aceptadas las presentes bases del X Concurso Premio Provincial de Artes Visuales, organizado por el Departamento de Cultura y Turismo de la Ilustre Municipalidad de San Bernardo.

Lo no establecido en las presentes bases será resuelto por el jurado del concurso.

San Bernardo, 2020

Carlos Concha Vial: «Las élites se sienten modernas con cuadros de manchas»

Pintor chileno. Carlos Concha Vial es uno de los artistas contemporáneos más significativos de la escena nacional. Interpelador y agudo, se refiere a sus inicios, la situación que atraviesa el realismo en su país y la educación formal en artes. 

Por Lic. Camila Reveco, Periodista cultural

“Desde muy chico sentí atracción y placer al dibujar. Luego en el colegio te das cuenta que sobresales y lo sigues haciendo con más gusto. En mi familia se destacan en el plano artístico por el lado materno; mi bisabuela -que fue una de las pioneras de la fotografía en Chile- y mi abuela que fue una gran pintora y ceramista, merecedora de varios premios en su vida. Ella, Aurora «Lola» Calvo, fue gravitante en todo esto”, explica el pintor realista chileno Carlos Concha Vial nacido el 19 de agosto de 1962 en la ciudad de Santiago.
Comenzando a transitar la etapa de la adolescencia, con sólo trece años, su abuela artista plástica decide inscribirlo en el taller del reconocido Miguel Venegas Cifuentes (1907-1979), fundador de la Facultad de Artes de la Universidad Católica de Chile y maestro de destacados pintores, entre ellos Ricardo Maffei (1953) y el fallecido Claudio Bravo (1936-2011). “Era la academia privada más prestigiosa de la época y yo el menor de sus alumnos codeándome con algunos grandes de hoy”, recuerda Carlos, quien más tarde continuaría su formación en España, durante cuatro años, en la Academia de Muñoz Vera.
En muchas de sus obras Concha Vial representa con maestría Iglesias, museos, avenidas, edificios, estaciones de trenes o parques de ciudades europeas y de su Santiago natal. También figuran entre sus temas predilectos instrumentos musicales, tales como cantigas y violines; y estudios de figura humana y retratos.

Su propuesta pictórica, junto a la de otros de su generación, nos permite decir que el estilo realista sigue vigente (más allá de los castigos que ha sufrido por parte de los creadores del “Todo vale” y del “Todo está permitido”, impulsores de las propuestas más intrascendentes y absurdas). Tiene exponentes de excelente factura y sigue siendo un arte ampliamente cultivado; y por sobre todo, es una propuesta que le permite a cada pintor ser siempre un artista de su tiempo; ser verdaderamente un artista contemporáneo, sin renegar del pasado.
“Siempre me estoy remitiendo y estudiando a los grandes de la antigüedad. A los renacentistas y a genios de la pintura como Vermeer, Rubens, Velázquez, Ramón Casas y Sorolla, maestro de la Luz”, admite el artista chileno que además de pintar, da clases de dibujo y pintura desde su taller.

El nuevo Renacimiento de la pintura
Eso que llaman desde ciertos circuitos «arte contemporáneo» alejó al espectador del fenómeno artístico por propuestas que no comunican, no generan ningún tipo de «shock», ni invitan a ningún tipo de «reflexión», como nos han querido hacer creer. Son los realistas del siglo XXI los encargados de llevar adelante el nuevo Renacimiento de la pintura, y son ellos los que volverán a encontrarse con el público perdido.

En esta entrevista fundamental con uno de sus referentes, Carlos Concha Vial, reflexiona sobre el realismo en Chile, los pintores contemporáneos, la educación artística -sus falencias-, y la función social del artista, entre muchos otros temas.

Museo de Bellas Artes de Santiago. Oleo sobre tela, 100 x 70 cms

Háblame de la influencia que ejerció tu abuela en tu carrera
-Desde muy chico ella me incentivó a pintar y hacer cerámica. En su casa tenía un taller increíble donde me pasaba pinturas, pinceles, lápices, papeles, telas, acuarelas, etc, etc. Era un mundo maravilloso para mí. Igualmente todo este apoyo brindado por ella era contradictorio porque por un lado me fomentaba mucho lo artístico, y por otro, siempre me repetía que debía tomar la pintura como un «hobby» y no como una profesión porque de ser así: “Me moriría de hambre». Este doble mensaje me produjo un conflicto interno que duró mucho tiempo. Tanto que por muchos años dejé de pintar y estudié Derecho. Provengo de una familia tradicional y conservadora con lo que sí bien mis padres me celebraban mis pequeños logros artísticos, por mi entusiasmo, temían que me dedicara a la pintura. La retomé años después de que mi padre muriera.

-¿Cuáles fueron los artistas que más te impactaron en tu etapa de formación?
-De los pintores que más me impactaron en mi niñez, sin duda la primera mi abuela, nací viéndola pintar. También desde muy pequeño me llamaba la atención el vía crucis de la iglesia que iba los domingos, pintados por fray Pedro Subercaseaux (1880-1956), quien también pintó varios cuadros encargados por el gobierno argentino con motivo de las fiestas del bicentenario). Hasta hoy me impresiona. Más tarde, Miguel Venegas: lo veía pintar y era mi profesor. Él tenía una personalidad magnética y además de conocimientos te traspasaba una mística. Que el arte más que un oficio era un estado del alma. Una actitud ante la vida. Creo que es lo que más le agradezco. Además al taller llegaban políticos, ministros, académicos y gente importante. A mis catorce años, quedaba con la boca abierta y me producía una gran admiración. Otro que me impactó muchísimo en mi etapa de formación fue Claudio Bravo, el alumno más exitoso de Venegas. Todos sus alumnos queríamos ser como él y le preguntábamos cosas y anécdotas. Un día llegando al taller me encuentro al mismísimo Bravo, que había vuelto a Chile a ver a su maestro. No podía creerlo.

Otoño en Futrono. Oleo sobre tela , 70 x 50 cms

Iglesia de las Agustinas. Oleo sobre tela, 100 x 70 cms

-¿Cuáles son tus fuentes más grandes de inspiración?
– Hablar de inspiración para mí es complicado. Pero creo que el motor y fuente de inspiración de mi obra es «La Belleza», que se puede encontrar en tantas partes… en lo cotidiano, en un paisaje, en la ciudad. Creo que la Belleza, está siempre más cerca de lo que uno cree esperándote a que la descubras. En mi concepto, el arte tiene algo evangélico; la Buena Nueva, la Buena Noticia. El artista debe ser optimista en su entrega, lo que no significa que no sufra o que viva en una burbuja, pero para cosas feas, vulgares y sórdidas está la vida misma. Uno debe marcar la diferencia y mostrar lo hermoso de la vida, lo esperanzador y que a pesar de todo, la vida sigue siendo vivible. Para lo otro, están los medios de comunicación.

-¿Cómo es el ambiente pictórico de Chile?
-Diría que el ambiente pictórico chileno está compuesto por una gran oferta de pintores en su mayoría de mediana calidad y de una escasa demanda. Por lo general «ignorantona» y snob. En los tiempos que corren el realismo pictórico es resistido en mayor o menor grado en el mundo entero, pero no me ha tocado otro país donde se le desprestigie y se le ignore más que en Chile. Tanto que de las doce o quince galerías comerciales que existen en el país hay varias que no lo aceptan. Las elites sociales lo consideran «pasado de moda» y quieren sentirse «modernos» adquiriendo cuadros de manchas y rayas hechas con muy poco talento para decorar sus casas ya que se les considera «más creativas».

-¿Por qué crees que se lo considera además «reaccionario» en tu país?
-Lo consideran también «reaccionario» pues se asocia a la alta burguesía conservadora ya que la mayoría de sus exponentes del S. XIX provenían de ese estrato social y los actuales representantes, en su mayoría, salimos de colegios privados. Coopera a esto que Claudio Bravo en su estadía en Chile en 1994 para su gran antológica declarara a la prensa que ideológicamente era de derecha y que sentía simpatía por el régimen de Pinochet. De alguna forma el realismo quedó asociado al arte de la dictadura.

Pirihueico nevado, Oleo sobre tela, 80 x 60 cms

Estación Príncipe Pío, Oleo sobre tela, 92 x 73 cms

-Sin embargo, y más allá de la clase social a la que pertenecían aquellos pintores, su obra reflejó la realidad hostil de los más desfavorecidos. Los protagonistas de aquellos cuadros fueron los pobres, los campesinos. Se mostró lo que a la burguesía no le interesaba ver….
-Bueno, ellos pintaron de todo; paisajes de Santiago interesantes, la vida fastuosa que llevaban y naturalmente lo que tú dices. A pesar de su vida opulenta no fueron insensibles ante el sufrimiento proletario. Algunos participaron activamente en política para legislar en ese sentido o participaron en iniciativas privadas tendientes a eso. Como dices, de alguna forma con sus cuadros devolvieron la dignidad a la clase trabajadora y también denunciaron estas situaciones, a veces, ganándose problemas entre sus pares. No faltaron los que financiaron a buenos pintores que no eran de su condición social incluyéndolos en sus exposiciones además. Y los que de su bolsillo edificaron museos y salas de arte que existen hasta hoy para el disfrute de todos. La cultura está muy politizada en mi país, cosa que me molesta mucho. El fanatismo ideológico, el resentimiento y la ignorancia, ciegan a muchos ¡Lamentable!

-¿Qué impresión te causa la educación formal en artes que se imparte actualmente en Chile?
-No tengo mucha relación con el ambiente universitario pero al ver los alumnos y egresados me da la impresión de que les enseñan mucha teoría, muchos y distintas corrientes de pensamiento pero muy poco oficio. El oficio me parece fundamental. Antes de largarte a crear debes manejar bien las herramientas para hacerlo. Un ingeniero no puede serlo sí no ha estudiado varios años cálculo. Un médico no puede operar sí no ha estudiado varios años anatomía ¿Por qué ha de ser distinto esto en el terreno de las Artes Plásticas? Dentro de la enseñanza del oficio me parece básica la enseñanza rigurosa del dibujo porque es la piedra angular de todas las artes visuales. El dibujo es importante para grabadores, escultores, pintores, incluso cineastas.

-No se enseña a dibujar…
-Posiblemente al dibujo no se le atribuye importancia porque hoy la tecnología que de alguna forma lo pueden hacer, como por ejemplo a través de una máquina proyectar el dibujo de una foto. Que no siempre queda bien…. Es cierto que se puede lograr con más o menos éxito pero debes tener el concepto en la cabeza y saber hacerlo solo sin ayuda de máquinas. Es como dejar de enseñar las cuatro operaciones matemáticas fundamentales porque hoy las calculadoras lo pueden hacer. Debes tener a lo menos la noción mental.

The Robert Park. Oleo sobre tela, 150 x 130 cms

Atardecer en Atacama, Oleo sobre tela, 92 x 73cms

-Los profesores de arte tienen mucha responsabilidad…
-A mi taller han llegado alumnos de segundo año de facultad que no saben dibujar. Quieren que les enseñe y pienso que también hay falencias importantes en los mismos profesores de dibujo de las universidades. Me da la sensación de que existe en las facultades una suerte de lavado de cerebro. He visto chicos talentosos que al entrar a la universidad pierden el norte artístico con tanto discurso y tanta teoría en la cabeza. Siempre me felicito por no haber entrado a estudiar Arte a la universidad porque seguramente, no haría ni la mitad de lo que actualmente hago (que tampoco es tanto).

-¿Te sientes parte de un grupo de pintores realistas chilenos?
-Me siento parte de los pintores realistas chilenos, se me considere o no así. Desgraciadamente no nos juntamos, o nos juntamos muy poco, o no me invitan. Sería de gran importancia reunirse para hacer frente común ante un escenario adverso, intercambiar experiencias y aprender del otro. Lo viví durante mi estadía en España y fue muy útil para mí.

-¿Consideras que la temática es uno de los desafíos más importantes para un pintor realista?
-El tema de cada cuadro es de suma importancia. En mi caso, lo elijo en relación a varios factores. Que el tema tenga algún interés, belleza y que sea medianamente comercial con respecto al mercado donde te mueves. Con dolor he aprendido que la obra debe ser de interés para el público al cual te diriges. Sí aspiras a vivir de esto, no se saca nada con tener una bodega llena de cuadros fantásticos, sí al público no les gusta o no los entiende. El tema debe ser una transacción entre tus intereses y los del público.

Vista del Louvre. Oleo sobre tela, 180 x 70 cms, 92 x 73cms

-Hay muchas pinturas que se parecen entre sí…
-Bueno ahí está la habilidad y la creatividad del pintor para tomar el mismo tema desde un enfoque diferente y agregándole su propia impronta. Ves el «Descendimiento de la cruz» del italiano Caravaggio, y es bien distinta a la que pintaría luego el pintor flamenco Rubens, siendo el mismo tema y ambos autores casi contemporáneos. Ahora, yo me niego a encasillarme en un tema y ser reconocido por eso. Creo que es muy limitante y restrictivo. Un pintor debe ser capaz de resolver bien cualquier tema.

-¿Y cómo se reconoce una pintura de Carlos Concha Vial?
-Que difícil pregunta. Tal vez, debieran reflejar el deseo de hacer un trabajo bien hecho y a cabalidad. Pero es difícil responder uno mismo esa interrogante. Eso debieran responderlo los demás.

-¿Trabajas en soledad?
-Trabajo en soledad. Mi vida es bastante monacal. No soy muy sociable ni muy bueno para las relaciones públicas… cosa que me ayudaría mucho comercialmente.

– ¿Cuál crees que es la función social del artista?
-Desgraciadamente uno no trabaja para los pobres, aunque yo dicte por unos años un taller de dibujo, gratis, para niños de un colegio de lo que ustedes llaman «villas miserias». Logramos sorprendentes resultados. También he colaborado donando, en varias ocasiones, cuadros para ir en ayuda de obras benéficas, que las rematan y las convierten en plata. Pero como decía, uno trabaja para una élite con plata, que es la que compra y es de la que uno vive. Y aún así, puede que esa élite económica no tenga interés en adquirir obras de Arte.

-Y conectando la «función» del arte con aquello que te enseño tu maestro: el arte como “un estado del alma” y “una actitud ante la vida”…
-Creo, que la función social del arte en general, es la de elevar el espíritu conectándote con la Belleza y de esa forma acceder a una mejor calidad de vida. No es lo mismo una casa bonita que una fea, una casa con cuadros y objetos de Arte que una que no los tiene. Pienso que en una casa con objetos de arte, donde además se lee y se disfruta de buena música sus moradores viven mejor que en una que no lo tiene, porque no sólo están satisfechas sus necesidades materiales como, servir de abrigo, higiene, etc. sí no que se satisface también las necesidades espirituales del hombre, que en mi entender son las más importantes. El arte tiene también, lo que yo llamo, «Un efecto dulcificador» de la vida. Es decir, cuando una persona sufre, el ver una buena pintura o escuchar una buena pieza musical contribuye a aminorar ese sentimiento de pena o ese sufrimiento. Y por el contrario, cuando uno está bien contribuye a estar mejor. Por lo que siempre el Arte, y en este caso la pintura, es buena para el hombre.

En el taller de Carlos Concha Vial


**Publicado originalmente en el blog de la Periodista Cultural Camila Reveco.
Mendoza, Argentina, septiembre de 2016.

 

Los Letelier: Tres Premios Nacionales en una familia

El caso de la familia Letelier Valdés resplandece en la historia de los Premios Nacionales en Chile: Alfonso Letelier fue el primero en recibirlo, en 1968, y luego lo hicieron sus hijos Miguel (2008) y Carmen Luisa (2010).

Considerado un pilar de la producción nacional de música de arte, el compositor Alfonso Letelier Llona (1912-1994) fue una suerte de niño prodigio: comenzó a estudiar música a la edad de seis años y sus primeros ensayos musicales datan de 1922, cuando contaba solo con diez años. Seis años después compuso una Misa para voz solista, coros, órgano y orquesta de cuerdas, y el preludio para una ópera sacra, «La Magdalena», que dejó inconclusa.

Alfonso Letelier Llona (1912-1994)

Durante su vida, desarrolló una larga carrera como docente en la Escuela Moderna y en el Conservatorio Nacional. Fue miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes, profesor y decano en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, vicerrector de esa casa de estudios, además de decano de la Facultad de Artes de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación.

En 1968 se le otorgó el Premio Nacional de Arte por su labor creativa, y luego vinieron muchos otros galardones, nacionales e internacionales; entre ellos, fue distinguido por la Organización de Estados Americanos (OEA) y por el Consejo Interamericano de Música, entidades que le rindieron un homenaje en 1985.

Entre sus obras más importantes se cuentan la música incidental para «La Anunciación a María», de Paul Claudel (1949); «Tobías y Sara» (ópera-oratorio); Suite Grotesca (1946); «Balada y canción de cuna», para contralto y orquesta (1935-36); «Decires» (1940); Cuatro canciones de cuna para voz de mujer y orquesta de cámara (1938-39); «Sonetos de la Muerte», sobre poemas de Gabriela Mistral (1942-48); «Vitrales de la Anunciación», para soprano, coro femenino y orquesta de cámara (1950); Sinfonía «El hombre ante la ciencia», estrenada en 1987, y «Nocturno», su última obra, escrita para el conjunto Enseñable Bartók, con textos de su autoría. Siempre preocupado por el progreso de la educación musical en Chile y del desarrollo de nuevas generaciones de docentes y creadores, Alfonso Letelier pensaba que es una tarea prioritaria de las autoridades reestudiar los planes y los programas de la asignatura de Educación Musical en los colegios. «Deben dedicarse más horas a la música», dijo. «A mi juicio, la mayor parte de ese tiempo debe ser empleado en la audición explicada de obras maestras, más que en aspectos técnicos o teóricos. Es importante que se den facilidades a los colegios para que obtengan el material adecuado, y que los niños asistan a los conciertos».

Junto a su esposa, la cantante Margarita Valdés Subercaseaux, tuvo cuatro hijos, dos de los cuales también recibieron el Premio Nacional: Miguel (organista y compositor) y Carmen Luisa (contralto).

Trayectorias

Miguel, quien murió en 2016, a los 77 años, era respetado por sus pares como un músico integral: destacado organista, ingenioso compositor y profesor aplicado, obtuvo el Premio Nacional en 2008. Además de ser miembro de número de la Academia Chilena de Bellas Artes, fue profesor de órgano y composición en la Universidad de Chile.

Antes de estudiar música, ingresó a Ingeniería Forestal en la U. Austral. Solo cuando oyó tocar al famoso organista y compositor argentino Julio Perceval se decidió por ese instrumento. Él fue su maestro y, según contaba, le enseñó que un compositor debía ser capaz de escribir en todos los estilos. Y por eso él era tan ecléctico. «Como medio expresivo usó todos los elementos de la música contemporánea. Si necesito una serie de doce tonos, la uso; si requiero algo aleatorio, también. Si necesito un acorde de Do Mayor, lo empleo. No tengo ninguna atadura», declaró a «El Mercurio» en 1999.

3 Canciones, Miguel Letelier Valdés

Saludo de don Miguel Letelier en Concierto de la Orquesta Juvenil Nuevo Horizonte (Museo Andino, Buin).

Dos años después que su hermano, Carmen Luisa también fue premiada. «Mi padre era compositor, mi madre cantaba, en mi casa siempre se hizo música. Los músicos chilenos de mi edad comenzamos a ir al Conservatorio a los seis años, seguimos la carrera superior de música y luego pasamos a ser profesores en la Universidad de Chile. Nos conocemos desde chicos, el Conservatorio es nuestra casa (…) El repertorio que yo canto es el que le oí a mi madre desde que tengo memoria. Entré a estudiar canto lírico con Lila Cerda, porque tenía problemas vocales. Hablaba pésimo y con un registro ronco. Paralelamente, me formé con Violeta Parra, quien siempre me retaba: ‘No vayas a impostar la voz, porque así nunca más podrás cantar mis canciones’. Se generó una verdadera pelea entre la señora Lila y la Violeta por mi formación», dijo a «El Mercurio» en 2010.

Dedicada a un amplio repertorio, pero preferentemente a la música de cámara, dueña de una voz muy personal y de una alta capacidad expresiva, ella fue la voz del Ensemble Bartók, conjunto con el cual interpretó la música chilena por todo el mundo.

Devuélveme mis besos (M. Grever). Carmen Luisa Letelier

 

El texto fue publicado originalmente en El Mercurio
Por Juan Antonio Muñoz H.
6 de septiembre de 2020.

Las relaciones entre los músicos y la sociedad

Ortega y Gasset en los años cincuenta del siglo pasado decía que de los conciertos el público parecía salir desilusionado. La causa podría ser, afirmaba, un cambio en la sensibilidad del espectador moderno, cuya alma ya no se estremece, como ocurría en el siglo XVIII, por ejemplo.

La relación entre el compositor y el auditor ya no es tan fácil como antes, a causa de que el oyente solo adopta una posición estética, más allá de identificarse con las fuertes emociones. El hombre de hoy separa la actividad estética de su vida sentimental. Nos mantenemos como espectadores, no entramos en el juego, desconfiamos de nuestras emociones, ponemos por delante una actitud crítica.

Los músicos, por su parte, pienso en La Consagración de la Primavera (y aquí me arriesgo en mi opinión de aficionado), parecieran más preocupados de la estructura de la obra que de la expresión de un estado de ánimo. Eso no está mal, pero obliga al oyente a una apreciación estética y a separar lo emocional. Eso implica un trabajo, es una actitud sofisticada, que el hombre común evita y prefiere derivar a la música popular. Esa música popular, a su vez, ha cambiado debido a que ya no existe el nexo que antes había entre la música docta y la popular. Pienso, por ejemplo, en el Lied, en La Trucha, de Schubert, que hasta hoy las señoras mayores entonan con alegría. ¿Será esa combinación entre lo docto y lo popular la que dio éxito al álbum «El mal querer», de Rosalía? Quizás. ¿Qué consecuencias trae esta separación entre lo docto y lo popular (incluyendo el folclore latinoamericano)? ¿Puede el arte abstraerse de lo popular? No es fácil decirlo, pero se puede intuir que las consecuencias pueden ser significativas.

El hombre común del siglo XX, por otra parte, tuvo a disposición una mayor participación en el devenir de la sociedad, mayores recursos, más poder de decisión (ya no reservado a la «alta sociedad») con la consecuencia de preferir lo práctico, lo utilitario; prefiere bailar salsa o la música de Bad Bunny, antes que escuchar un concierto en actitud reflexiva. Los líderes políticos, por su parte, han alimentado una animadversión a lo que llaman «alta cultura» y han puesto en marcha políticas de difusión de la cultura (cuya definición, a su vez, han cambiado) que muchas veces buscan cumplir con cifras antes que con una mayor calidad de lo que se difunde. Como consecuencia, la autoridad artística o cultural ha cedido lugar ante ese nuevo poder del hombre común.

Algunos músicos han reaccionado refugiándose en un grupo selecto, los pocos que están dispuestos a hacer un esfuerzo, a darse el trabajo que requiere una actitud estética, convirtiéndose así la música docta en un arte para minorías. En el lado opuesto, en el caso de América Latina, la mayoría de los músicos se ha puesto a disposición de los Estados, que le aseguran una subsistencia (¿Qué opción queda?, podríamos preguntarnos), sin considerar que todo artista requiere primero que nada contar con libertad, sin estar al servicio de nada ni de nadie, con la consecuente baja en la calidad de la producción musical, como lo muestra ampliamente la historia de Rusia o las consecuencias del Manifiesto de Praga de 1948, por ejemplo. El Estado, por lo demás, encuentra barrera prácticas que les dificultan poner en marcha políticas eficientes, o sea, la generación de un mejor arte (El volumen de información que debe manejar, la subjetividad o carácter tácito de esa información, las limitaciones para transmitir esa información a un órgano director, la permanente creación que cambia el escenario de administración constantemente).

Podemos llegar entonces, inesperadamente, a la conclusión de que el problema no está en la música docta, ni en la música contemporánea, ni en el oyente, sino en las relaciones entre los artistas y la sociedad, asunto que requiere una mayor reflexión.

Rodolfo Silva.
CCNH Paine.
Julio, 2020

¿Una nueva guerra santa?

Desde entonces hemos aquilatado la importancia de la libertad de expresión, la tolerancia y el respeto a las diferencias. Ese ideal hoy se encuentra amenazado.

Thomas Aikenhead estudiaba en la Universidad de Edimburgo. En un pub, con un grupo de amigos -quizá con unas cervezas de más- se habría burlado de las Escrituras, llegando incluso a mofarse de Dios y negar la Trinidad. Sus compañeros lo delataron. Se le acusó de blasfemia. Fue enjuiciado. Y en 1697, a los 20 años, ahorcado. Esta fue la última ejecución por temas religiosos en Gran Bretaña. Algo muy simbólico en los albores de la Ilustración.

Voltaire, un célebre de la Ilustración, lamentó no estar de acuerdo con las ideas de otro, pero ofreció su vida por el derecho a defenderlas. Desde entonces hemos aquilatado la importancia de la libertad de expresión, la tolerancia y el respeto a las diferencias. Ese ideal hoy se encuentra amenazado.

La nueva cultura de la cancelación es un fenómeno inquietante. Ya hemos visto lo que sucedió en The New York Times, lo que ha pasado en Princeton con Woodrow Wilson y ahora en Yale (#CancelYale). Las estatuas caen y la película “Gone with the Wind” será transmitida con advertencias. Así avanza este coro de lo correcto. A veces me pregunto si terminaremos censurando o prohibiendo a Platón y Aristóteles por defender el infanticidio. ¿No será mejor entender el contexto con ánimo reflexivo, y no descalificar con ese espíritu inquisidor que solo ve el pasado con los ojos del presente?

Lectura de la tragedia «El huérfano de la China», de Voltaire, en el salón de madame Geoffrin en 1755 (1812), autor: Lemonnier. Este cuadro fue un encargo de la emperatriz Josefina. Entre los asistentes, en presencia de un busto de Voltaire, exiliado en el momento en que se desarrolla la escena, están entre otros Montesquieu, Rousseau y otros numerosos enciclopedistas y pensadores de la Ilustración francesa.

Además, las universidades se han ido convirtiendo en espacios protegidos. Las aulas, e incluso la enseñanza, han transitado de la riqueza de la espontaneidad a la restricción, del desorden del trial and error a un orden aséptico, de la honestidad intelectual a lo que se supone correcto. Hoy los profesores se controlan y se miden. Piensan cada palabra y cada gesto. Los polémicos chispazos, los atrevidos juicios como el de Aikenhead -remezones que nos obligan a pensar- son cada vez más escasos. Atrás quedaron esas conversaciones libres, esos seminarios en un bar o algún asado de fin de año con los estudiantes.

En una carta publicada en Harper’s, un grupo de 153 intelectuales y artistas reaccionaron ante la “sofocante e intolerante” atmósfera que vivimos. Argumentan que “nuestras instituciones culturales enfrentan un duro momento de prueba”. Acusan esta nueva intolerancia gatillada por “la moda de avergonzar al otro para excluirlo”. Esta práctica conduciría a una “perversa tendencia que reduce los problemas complejos a una certeza moral que nos ciega”. Concluyen que “el mejor camino para derrotar las malas ideas es exponerlas a los argumentos, a la persuasión”. No se trata de “silenciarlas o alejarlas”. Y lo que está en juego es, precisamente, la libertad. Ese fue el llamado de la Ilustración.

El debate o la encrucijada actual es parecido a lo que sucedió durante el siglo XVIII. David Hume y Adam Smith pensaban que la moral no obedece solo a la razón. Desarrollaron el concepto de empatía, de la importancia del otro y lo que piensan de nosotros. Buscamos el reconocimiento social en los demás. Con las nuevas herramientas tecnológicas, cuyo objetivo era promover la libertad y ahora parecen coartarla, ¿no será este impulso humano -buscar la aprobación o evitar la desaprobación- lo que nos lleva a estos extremos? Es posible que así sea. Recientes estudios muestran cómo ha aumentado la autocensura, sobre todo en las universidades. Nadie quiere ser víctima de algún tipo de “cancelación”. Es más fácil sumarse. O simplemente restarse. En su famoso ensayo “On the Liberty of the Press” (1742), David Hume nos recuerda que “muy rara vez la libertad de cualquier tipo se pierde por completo de una vez”. Es una reflexión atingente. Pero también defiende el “ejercicio ilimitado de la libertad de expresión”. No puedo estar más de acuerdo en su defensa de la libertad. Y de la tolerancia ante lo que nos incomoda.

Publicado originalmente por el Centro de Estudios Públicos (CEP), 15 de agosto de 2020

A los 91 años fallece el poeta y escritor Pablo Guiñez.

Partió uno de los últimos poetas vivos de la “Generación del 50”, profesor destacado y autor de una poesía que dio nueva vida a la literatura chilena.

Dejamos en la voz de su hijo Coke, amigo y colaborador de la CCNH Paine, un relato de la vida de don Pablo.

El poeta y escritor Pablo Guiñez, mi padre, era oriundo de Purén, villorrio de la Araucanía, al que sus abuelos llegaron en 1880, y donde tenían un campo en el que él viviría algunos años conviviendo con lingues , pataguas, pumas y digüeñes, y donde el Mapudungun era una lengua compartida por los niños de la zona, cuyos abuelos venían de Italia, el País Vasco y Alemania, además de otras provincias de nuestro país, como mis antepasados paternos, por ejemplo, quienes también tenían campo en Chillán, de donde eran sus raíces ancestrales. Allí, en esa hacienda mi padre pasó también algunos años de su pubertad para ingresar luego al Regimiento de Caballería de Concepción, donde se distinguiría por sus dotes de jinete, y luego a la Escuela Normal de Victoria, de donde egresaría, con medianas calificaciones, con el título de Profesor Primario, en 1948. Atrás quedarían entonces, la casa y la familia compuesta por su padre, la madre, un tío músico y sus ocho primas con quienes convivió durante algunos años en la casa del pueblo, y donde tuvo la gracia de convivir además con el arte y la Literatura y principalmente con la música en las tertulias organizadas por los mayores, pues su tío tenía amistad con Claudio Arrau, y otras personalidades que frecuentaban su hogar. Mi abuela por su parte, mujer de carácter y de gran gusto por la lectura, y uno de sus tíos paternos ejercerían sobremanera una fuerte influencia en su formación de escritor, siendo mi abuelo un lector infatigable y voraz. Después vendría el tiempo de ejercer la Docencia, razón por la que se radicaría en Peñaflor, pueblo del antiguo Departamento de Talagante, donde conoce a mi madre, Titicita González Garrido, cuya familia, radicada en la capital desde 1940, era conocida en el lugar.

Fue así entonces, como mi padre, habiendo pasado sus primeros años en casa de Juvencio Valle, en la calle Eliecer Parada, en Ñuñoa, conoce a Ángel Cruchaga, Pablo Neruda y otras personalidades de la Literatura; estableciéndose luego, ya casado, junto a mi madre, en una antigua casa de la calle Marcoleta, donde en una noche de invierno recibe la visita de un joven poeta que venía llegando de Lautaro, del sur. Se llamaba Jorge Teillier. Hicieron muy buenas migas, y el poeta de los trenes fue durante esa época parte de la casa. También ocurrió lo mismo con otro joven poeta provinciano como mi padre, que traía la lluvia en sus manos. Se llamaba Pedro Lastra.

Después mis padres se radicarían por varios años en el pueblo natal de mi madre, donde con posterioridad nacerían parte de los hijos. Allí, en una antigua y hermosa quinta, se reunían varios de los escritores y artistas de la época, cómo Hugo Goldsack, y su mujer, Irma Astorga; Nicomedes Guzmán; Enrique Lihn, Luis Vulliamy; Jorge Teillier; Stella Díaz, Cristian Huneeus y su mujer ; Miguel Morales Fuentes, Mario Ferrero y varios otros.

En 1952 publica su primer libro de poemas titulado “Miraje Solitario”, para posteriormente, en medio de una fructífera labor poética, hacerse merecedor del reconocimiento de la crítica, que lo ubicó, con la desaprobación de mucho de sus pares que vieron en él, en su obra, una verdadera amenaza para conseguir un ascenso en la difícil y competitiva carrera del éxito, que reconozcámoslo o no, está íntimamente ligada a la política, a las camarillas literarias y culturales y a los poderes fácticos que levantan o silencian a un escritor. Fueron sin embargo, los más distinguidos críticos de entonces, entre ellos, Ricardo Latcham, Eleazar Huerta, Hernán Del Solar, Fidel Araneda Bravo y Homero Bascuñán, quienes dedicaron a su obra laureadas palabras en la prensa, siendo apadrinado por Nicomedes Guzmán, quien refiriéndose a su obra dijo:

Pablo tiene un valor conceptual único, ausencia de imágenes demasiado trabajadas, instinto lírico que trasciende en una expresión serena, transparente y cordial.

 

Aristóteles España dice de él:

Otra de las particularidades de su propuesta lírica es el juego. En todos sus poemas se siente un aire de alegría por conversar con las palabras. Los adjetivos, los adverbios, todo está donde debe estar. La misma construcción de los escenarios del poema. Es un artesano que conoce su oficio, lo domina, por lo tanto, las lecturas de su vida aparecen nítidas y resplandecientes, sin que se noten las influencias; al contrario, incorpora a su acervo la poesía nórdica, la poesía lárica, pero sin el hálito teilleriano. Aparecen otras cosmogonías, otros refugios, otros pueblos perdidos en otras latitudes. Junto a Gonzalo Rojas y Neruda, es el único autor chileno que tiene uno de los mejores poemas a las piedras reales y metafísicas;

las piedras rodeadas de hojas,
de ancianas con ojos de pajaritos,
con cáscaras y manos que sostienen el aire del universo.
dice en su poema “Transparencia”.

Dueño de una honda percepción, dotado de una luminosa capacidad lingüística, propias de los solitarios, la obra de mi padre, se hizo acreedora de varios premios y reconocimientos de algunos escritores y académicos que, no obstante el silencio en que lo catapultaron, vieron en él un recio protagonista de la gran Literatura del siglo XX.

En la década del Sesenta , ya casado con mi madre, Doña Carmen González Garrido, y radicado en Peñaflor, de donde ella era natural, mi padre ingresa al Instituto Pedagógico de la Universidad de Chile, del que egresa para ejercer la docencia en aulas secundarias y en el claustro universitario, trabajando también en la Investigación y elaboración de proyectos educacionales.

 

Autor de una vasta obra, ha publicado:

Miraje Solitario
Afonía Total
Ocho Poemas para una Ventana
Fundación de las Aguas
Territorio Celeste
Canción Lenta en Tiempo de Balada
La Rosa Devorada.

 

En su condición de docente, fue creador del Instituto Bata, de Peñaflor, y fundador del Liceo Nocturno de Peñaflor, además del Liceo Politécnico de Rengo; desarrollando asimismo, en lo estrictamente literario una fructífera labor de creador de talleres y movimientos literarios, siendo fundador, en 1973, del Grupo Fraternidad del Agua, secundado por los poetas Paz Molina, Isabel Velasco, Fernando Zevallos y Francisco Medina Cárdenas; y Director de la Sociedad de Escritores de Chile, institución a la que ingreso en tiempos en que la Casa del Escritor era dirigida por los insignes Tomas Chazal y Jaime Eyzaguirre, en la década del Cincuenta, época en la que se granjeo la amistad de Juan Guzmán, Jacobo Danke, María Luisa Bombal, Luis Durand, Diego Duble, Pablo Neruda, Daniel Belmar, Irma Astorga, Hugo Goldsack , Rosa Cruchaga, Olga Acevedo, Luis Merino Reyes, Fernando Alegría, Teófilo Cid, Benjamín Subercaseaux, Angel Cruchaga, Nicomedes Guzmán, José Santos González Vera, Diego Muñoz y Juvencio Valle, en cuya casa, en calle Eliecer Parada, en Ñuñoa, conoció en un homenaje hecho a su promisoria creación, a Pablo Neruda, quien le apoda cariñosamente Purén, haciendo alusión a su pueblo de origen, y ofreciéndole una beca en Francia y la posibilidad de hospedarse en casa de Picasso, ofrecimiento que mi padre no considera puesto que en su calidad de maestro, le interesaba sobremanera enseñar a leer a los niños de la patria que tanto lo necesitaban.

El poeta Pablo Guiñez en uno de los últimos homenajes que se le brindó, en la Biblioteca Nacional.

Su obra, finalmente, fue reconocida al ser postulada, aunque sin éxito, en dos ocasiones, al Premio Nacional de Literatura.

Hoy, en medio de la soledad y el silencio, ha fallecido mi padre, poco después de cumplir 91 años.

Hasta ese día él y David Rosemann, eran los mayores de los poetas chilenos vivos, y los únicos sobrevivientes de su generación, y yo, en calidad de su hijo, doy gracias a Dios, por tenerlo a nuestro lado.

Coke Fernández de Guiñez González

Los conquistadores españoles, los primeros exploradores europeos del actual territorio de los Estados Unidos.

Los primeros europeos que pisaron Norteamérica eran españoles.

Como bien escribe García del Junco: «Antes de que los colonos ingleses y sus descendientes exterminaran a las tribus de los indios de las praderas, los exploradores españoles ya habían entrado en contacto con la mayoría de ellas y sin necesidad de exterminarlas.»

La conquista del Colorado

Los «western» nos pintan el oeste americano como una zona inexplorada habitada por tribus hostiles que jamás habían visto un hombre blanco. Más bien anglosajón. La realidad es que esos territorios habían sido explorados por españoles, había pueblos e incluso se hablaba español.

Cuadro al oleo de indios y caballos

Además, curiosamente, en los western los indios actúan como expertos jinetes. El caballo no existía en América antes de la llegada de los españoles. ¿Imaginan ustedes quienes les enseñaron a montar a caballo? Los españoles.

El primer europeo que pisó el actual Estados Unidos al mando de una expedición no iba en el May Flower. Se llamaba Juan Ponce de León y descubrió la Florida en 1513, 21 años después de la llegada de Cristóbal Colón. El May Flower llegó en 1620.

Explorador Juan Ponce de León descubre La Florida en Norteamérica (1513)

Pedro Méndez de Avilés fundó la ciudad más antigua de los actuales Estados Unidos: San Agustín de la Florida en 1565. Muchos esclavos negros que huían de los anglosajones lograban su libertad en la otrora ciudad española.

El famoso Gran Cañón del Colorado fue descubierto por una expedición enviada por Vázquez de Coronado al mando del español García López de Cárdenas y Figueroa. Lo descubrió en 1540.

García López de Cárdenas

No podemos olvidarnos de Núñez Cabeza de Vaca, que entre 1528 y 1536 exploró la costa sur de Norteamérica desde la actual Florida pasando por Alabama, Misisipi y Luisiana y se adentró en Texas, Nuevo México, Arizona y en el norte de México hasta llegar al Golfo de California.

Núñez Cabeza de Vaca

Publicado originalmente en http://dariomadrid.com/, en junio de 2020.

Santiago de Chile se fundó sobre una antigua ciudad inca

El equipo de Rubén Stehberg, jefe del Área de Antropología del Museo de Historia Natural de Chile, dio por finalizada en el año 2016 una nueva etapa de excavaciones autorizadas en Santiago, y el grupo de expertos ha concluido que los hallazgos permiten confirmar, una vez más, que Pedro de Valdivia fundó la ciudad “no sobre un terreno eriazo como dicen los textos históricos”, sino sobre un antiguo asentamiento o ciudad Inca.

“Hemos terminado la cuarta excavación sistemática en torno a la Plaza de Armas. La cuarta y última. El objetivo era llegar a ese eventual sustrato incaico. Había una hipótesis que nosotros publicamos en diciembre de 2012 en un artículo que se llama Mapocho Incaico, y ahí postulamos la existencia de un centro ceremonial Inca”, explica el arqueólogo al referirse al centro de la ciudad ocupada por Pedro de Valdivia y fundada con fecha 12 de febrero de 1542. El arqueólogo y antropólogo sostuvo que esto “dejó de ser hipótesis recién la semana pasada”.

Para comprobarla, destacó que lo que se hizo fue contrastar esta postulación del 2012 en un proyecto de investigación junto al historiador Gonzalo Sotomayor −fallecido en 2016− y los demás integrantes del equipo. La idea era que, si en la Plaza de Armas de Santiago hubo un centro administrativo incaico antes de la llegada de Pedro de Valdivia, al excavar en sus alrededores debían encontrarse restos de la cultura inca.

Retrato del explorador y conquistador español Pedro de Valdivia (siglo XIX), fundador de Santiago de Chile, obra del pintor Federico de Madrazo (1815-1894). Biblioteca Nacional de Chile.

“Si no encontrábamos nada incaico, entonces esa hipótesis no se sostenía y habría que desecharla. Hemos encontrado fragmentos de cerámica inca”, apunta Rubén Stehberg.

Por ejemplo, bajo la gran Catedral, al costado de la plaza, los restos incas se hallaron a dos metros de profundidad.

“En esos estratos profundos, entre los 2 y 2,70 metros −explica Rubén Stehberg a través del Museo Nacional de Historia Natural (MNHN) en su reciente informe− se halló un cimiento de muro formado por bloques rocosos de color rosado (provenientes de la cantera del cerro San Cristóbal), que descansaba sobre una base de piedras rodadas (guijarros), rasgo que se encuentra con frecuencia en algunas construcciones incas del Perú. Nuestra hipótesis es que correspondió a parte de un muro prehispánico, el cual siguió en uso durante los primeros años del arribo español”. Además, en dicho estrato no se encontraron restos de ocupación colonial.

Fragmento de cerámica con diseño incaico de Cuzco, encontrado durante las excavaciones en torno a la Plaza de Armas de Santiago de Chile, en un estrato situado bajo la Catedral de Santiago (Fotografía: La Gran Época-MNHN)

Bajo el Museo Histórico Nacional, en cambio, se encontraron restos a una profundidad de entre 1,40 y 1,60 metros. En esta profundidad, el arqueólogo ha destacado que se descubrió un gran lecho del río Mapocho, con una capa plana de grandes bolones.

“Hace más o menos 600 años pasaba el río Mapocho por donde está la actual Plaza de Armas. No se podía habitar ahí y pasaba con mucha energía”, añade Stehberg.

Además ha comentado que se encontraron muchos restos de fauna, que ahora están en estudio, para determinar si se trata de fauna incorporada por los españoles o autóctona de Chile.

Mapa de Santiago de Chile realizado en 1712

El Camino Inca
Otro dato importante que incide sobre la presencia inca se encuentra en los textos históricos. Por ejemplo, en 1905 el español Luis Thayer Ojeda reveló una información que permitió a su equipo crear un mapa de la ciudad a partir del año 1552: 12 años después de la llegada de Pedro de Valdivia. Thayer Ojeda señaló las primeras propiedades asignadas a los españoles e identificadas como “solares”, a partir del centro de Santiago, alrededor de la plaza. Una de las calles mencionadas en relación a algunas propiedades era “el Camino Inca”, que llegaba a la plaza desde el Norte. Donde está hoy la Catedral, los solares se asignaron a la iglesia.

Muro incaico bajo Santiago de Chile. Excavaciones en el Patio Los Naranjos de la Catedral Metropolitana. Se observa el cimiento del muro, posiblemente incaico, con su base de piedras rodadas (guijarros).

Lo interesante, explica Stehberg, es que en un lado de la plaza no se repartieron solares a los españoles, lo que no es común en sus planos tradicionales.

«Esto es costumbre incaica. En general las plazas están abiertas en un lado para permitir el libre acceso de la gente a las principales ceremonias religiosas.»

Según su equipo, Pedro de Valdivia se adaptó a las otras construcciones que ya existían por entonces en la zona. Además, hay que recordar que, en torno a la plaza estaban, originalmente, los edificios públicos incaicos.

Ciudad desviada 5 grados
Otro dato curioso, que permite afirmar que la ciudad fue construida sobre un plano incaico, es que el plano de la ciudad está desviado cinco grados del norte.

“¿Ustedes creen que Pedro de Valdivia, que era un estratega militar, era un artillero, sabía geometría, andaba con un alarife, se puede haber equivocado en cinco grados? Es imposible. La ciudad de Santiago está desorientada. No está orientada al Norte en cinco grados. Eso indica que este plano no es español. Las ciudades españolas se tratan según el Norte geográfico”, afirma Stehberg, destacando además que “ya hay muchas evidencias de que los españoles se instalaron en un plano de ciudad que ya existía, y que lo único que hicieron fue ampliarlo”.

Fundación de Santiago de Chile, óleo de Pedro Lira (1888)

El Santiago incaico estaba rodeado de caminos y colinas, una red que le permitió fortalecerse, y su dominio se extendía con ciertos límites, señalan estudios anteriores del autor. La ocupación de los Incas se realizó sobre un territorio Mapuche.

Autor: Anastasia Gubin – La Gran Época

Este artículo fue publicado originalmente en La Gran Época y, en julio de 2016, por Ancient-Origins.es.